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Il Corporeality evasivo della poetica scultorea di Edoardo Tresoldi

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C'è una qualità misteriosa nel lavoro di Edoardo Tresoldi italiano dello scultore che proviene dal fatto che che cosa vedete è importante quanto che cosa non vedete. L'architettura della parte, il materiale illustrativo della parte, allucinazione della parte, le sue costruzioni eteree immerge l'ospite in un ambiente onirico che richiede di essere ricostruito mentalmente piuttosto che consumato visivamente.

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Concepito come interventi dello spazio e costruito dalla rete metallica, le sculture di Tresoldi sono progettate in una lingua ibrida degli archetipi classici e delle forme moderniste. Comprendendo la convergenza della scultura, dello scenography e dell'architettura, oltrepassano il corporeality di questi mestieri saldamente materiali comprendendo un quarto, dimensione elegiaca concentrata su assenza. La loro trasparenza inoltre significa che sono nel dialogo con il paesaggio in cui stanno, il suo genius loci inserito che non richiede sforzo nella descrizione poetica che evocano. Prestando tant'attenzione a che cosa manca quanto a cui c'è, le creazioni misteriose di Tresoldi negoziano un'intesa fluida fra i concetti ferocemente antagonistici della realtà, la memoria e la fantasia; una lotta senza tempo di cui l'epilogo infine è lasciato fino allo spettatore.

Dal 2013, il lavoro di Tresoldi ha messo a fuoco sulle installazioni sito-specifiche negli spazi pubblici e contesti archeologici come pure commissioni, arte contemporanea e festival di musica e mostre privati del gruppo. I punti culminanti della sua opera complessa includono Basilica di Siponto (2016), un'installazione permanente che fonde l'arte contemporanea e l'archeologia ristabilendo una basilica del Paleo-cristiano in Puglia, Italia, aura, un'installazione sito-specifica, in due parti, di galleggiamento che ha assunto la direzione dei corridoi del Le Bon Marché, il grande magazzino parigino prestigioso in autunno di 2017 e Archetipo (2017), un'espansione, «piazza» dell'interno in Abu Dhabi hanno sintetizzato dalle cupole, dagli arché, dalle colonnati e da altri frammenti architettonici di classicismo italiano.

Il suo progetto più recente affinchè materiale illustrativo di festival di musica, di Etherea, di Tresoldi di Coachella il più grande fin qui ed il più grande sia descritto nel festival, è un materiale illustrativo pubblico effimero che comprende tre sculture state allineate ispirate dall'architettura neoclassica e barrocco di forma identica ma che diminuisce la dimensione, che invitano gli ospiti a ricalibrare la realtà come essi progresso con. Tresoldi ha parlato con Yatzer circa la sua pratica artistica, le sue ispirazioni e la sua più nuova installazione per il festival di musica di Coachella.

Sebbene abbiate un fondo artistico, il vostro lavoro ha una forte sensibilità architettonica. Come questo è succeduto e come complementa o sostiene la vostra visione artistica?

Penso che ci siano due motivi principali: il mio fondo come scenographer ed il fascino che i paesaggi ed i posti hanno esercitato sempre su me. La sensibilità architettonica con cui le mie sculture sono concepite è collegata ad una narrazione empirica ed in questa architettura di senso è una lingua con cui celebrare il carattere sacro della natura e della sua relazione per equipaggiare.

Come la rete metallica si è trasformato in in così aspetto prevalente del vostro lavoro? Che cosa sono le difficoltà tecniche che avete dovuto sormontare?

Ho cominciato usarlo durante il mio lavoro come scenographer. La sua trasparenza permette me tessi il lato immateriale delle cose, che cosa ho chiamato la materia assente e giocare con visto ed il non visto, per stabilire una dimensione onirica che permette che gli spettatori siano in una relazione costante con i dintorni.

La rete metallica ha sua propria complessità tecnica unica: Paradossalmente, la sua trasparenza rende ogni dettaglio tecnico abbastanza visibile. Nella fase di progettazione, le forme sono costrette dalla struttura e vice versa. Ma la forza dei materiali illustrativi si trova nell'equilibrio fra l'estetica e la forma strutturale; tutto gira intorno alla giustapposizione fra questi due elementi.

Il vostro lavoro gira intorno agli interventi dello spazio. Che cosa vi ha spinto a concentrarsi su lavoro sito-specifico? Che cosa è il processo artistico tramite cui il genius loci di ogni spazio o paesaggio è calibrato ed incorporato nella progettazione?

Spendo molto tempo l'immersione nel sito di ogni installazione. Provo ad afferrare la sua essenza sviluppando una lingua contemporanea collegata ad un percorso emozionale, un'unità effimera che può rompere la vita di tutti i giorni che oltrepassa le dimensioni dello del tempo spazio.

Avete confrontato l'installazione dell'aura come «reliquie su esposizione» mentre altri progetti sono stati descritti come «architettura in rovine». Da che cosa è il fascino di questo approccio archeologico e da dove fa il vostro fascino per «il ritrovamento» il passato per venire?

Sono italiano! Le rovine e gli archetipi classici sono piantati forte nella mia psiche. Inoltre ho vissuto a Roma per sette anni in cui ho lavorato come scenografo. Roma è un'ispirazione potente e senza tempo per ogni artista. Dopo tutto, il suo orizzonte ammucchiato ha portato Walter Benjamin dire che «fa non sognandosi per prendere la strada maestra a Roma?» Il mio fascino per le rovine è nato con la basilica di Siponto che ha stimolato la rovina metafisica, un concetto che ho presentato durante l'affare della settimana di progettazione in Hong Kong il dicembre scorso. È una rovina contemporanea che rintroduce le forme dell'architettura originale attraverso la trasparenza della rete metallica ed accompagna l'ospite con una nuova esperienza emozionale e spaziale, immersa nel paesaggio contemporaneo.

Prendaci con il vostro processo artistico. Quale è l'aspetto più provocatorio, la concezione, la progettazione o la fase della costruzione?

Ogni aspetto del lavoro ha sue proprie regole che devono essere seguite. Per quanto riguarda i materiali illustrativi all'aperto, il primo punto è collegato con lo studio e la comprensione delle caratteristiche del sito. Poi la composizione architettonica considera la dinamica fisica del posto e gli elementi del paesaggio stanno bene alle parti costituenti del progetto.

Molti dei vostri impianti sono installazioni temporanee. Come ritenete circa il loro impermanence? È questo l'ultimo espediente in uno sforzo per illustrare l'assenza della materia?

Il Impermanence è una parte essenziale del valore effimero del mio lavoro. I miei interventi contano sull'esistenza temporale di un posto e possono avere durate della vita differenti secondo il tipo di materiale illustrativo e di narrazione. «Il luogo», realizzato in collaborazione con il musicista italiano IOSONOUNCANE per DERIVA il festival in Italia, è un esempio perfetto di quello. È stato «una prestazione dei posti», di una creatura temporanea all'interno del paesaggio naturale maestoso della baia di Sapri e di uno degli elementi di definizione dell'evento del valore performativo. Una volta che il ciclo di vita dei luoghi fosse completato, è scomparso, lasciando il posto al suo equilibrio preesistente.

L'illuminazione è un aspetto importante nel montrare le vostre installazioni, la sua natura intangibile che riflette l'immaterialità delle vostre creazioni. Come andate circa elaborare la progettazione d'accensione? Quanto differente è la vista di notte delle vostre installazioni progettate per essere rispetto al loro aspetto di giorno?

Durante il giorno, la luce solare, il vento, le nuvole e la pioggia permettono che le installazioni siano sperimentate in atteggiamenti vari. Così le sculture si trasformano in in spazi dinamici che rispondono a tutti i tipi di fattori esterni, dove gli spettatori possono avvertire l'interazione fra esteriore ed interno e sbiadirsi delle frontiere.

Alla notte tuttavia, l'illuminazione artificiale arricchisce le superfici ed i volumi, accentuando le composizioni e le distorsioni architettoniche in un modo più etereo e più sospeso, rendente li spazi maestosi, ma ancora intimi e delicati.

Frequentemente avete creato le installazioni per i festival di musica ed avete collaborato con i musicisti. Similmente al vostro lavoro, una composizione musicale comprende una descrizione intangibile che gli ascoltatori sono invitati a carne fuori in loro teste. Questo spirito comune sostiene parzialmente tali collaborazioni? In che modi fa la musica e musicisti ispirano il vostro lavoro?

La musica e le arti visive sono entrambe la parte di singola unità artistica, prendente l'ispirazione l'uno dall'altro e comprendente l'iridescente e l'immateriale nei modi differenti. Con i miei impianti e collaborazioni provo ad offuscare le frontiere fra le discipline, sperimentanti le possibilità senza fine eliminare le barriere fra loro.

Dicaci un pezzo circa la vostra installazione per il festival di Coachella. Come la commissione è succeduto e che cosa state provando a compire con questo progetto?

Sono stato in contatto con Coachella per un anno ora sono stato destinato per partecipare all'edizione 2017, ma ero occupato nei UAE che lavorano a Archetipo.

Etherea è il mio più grande materiale illustrativo fin qui, un posto in cui gli ospiti possono avvertire la relazione con i paesaggi infiniti della California, narrato con la lingua dell'architettura classica. I suoi dello spazio dei cambiamenti grazie perspicaci costantemente alle dimensioni graduali delle tre sculture, che amplifichi o riduca la distanza fra gli spettatori ed il cielo.

È come quando ritornate ad un posto dopo un molto tempo e lo avete ricordato essere più grande o più piccolo di che cosa realmente è: la memoria dell'architettura precedente ottiene riadattata a quella in cui state entrando con una sequenza degli effetti ottici.

Etherea è inoltre il punto delle mie collaborazioni con i festival di musica. In questo senso, è significato come materiale illustrativo pubblico effimero enorme all'interno di grande città temporanea di Coachella: la dimensione ideale, per me, continuare la narrazione scultorea dell'effimero.